Как слово стало песней? Статья о музыке. Автор Елена Самсонова. Музыкальный руководитель ДОУ

Что общего между поэзией и музыкой?

Звук, ритм, интонирование.

Стоит почитать стихи Сергея Есенина, чтобы осознать их мелодичность и поинтересоваться, сколько песен написано разными людьми на его слова, чтобы убедиться в единстве слова и музыки. Если взять одно поэтическое произведение Сергея Есенина и предложить написать музыку на его стихи, результаты будут удивительно похожими. Ритм и интонация поэзии здесь диктуют мелодию и аккомпанемент.

Пример 1.

https://pinkamuz.pro/search/%D0%9F%D0%B5%D1%81%D0%BD%D0%B8%20%D0%BD%D0%B0%20%D1%81%D1%82%D0%B8%D1%85%D0%B8%20%D0%B5%D1%81%D0%B5%D0%BD%D0%B8%D0%BD%D0%B0/3 Я московский озорной гуляка. Поет Виктор Королев. Слова С.Есенин.

https://pinkamuz.pro/search/%D0%9F%D0%B5%D1%81%D0%BD%D0%B8%20%D0%BD%D0%B0%20%D1%81%D1%82%D0%B8%D1%85%D0%B8%20%D0%B5%D1%81%D0%B5%D0%BD%D0%B8%D0%BD%D0%B0/3 Я московский озорной гуляка. Поет группа Альфа. Слова С.Есенин.

https://pinkamuz.pro/search/%D0%9F%D0%B5%D1%81%D0%BD%D0%B8%20%D0%BD%D0%B0%20%D1%81%D1%82%D0%B8%D1%85%D0%B8%20%D0%B5%D1%81%D0%B5%D0%BD%D0%B8%D0%BD%D0%B0/3 Гуляка. Алксей Воробьев. Слова С.Есенин

Пример 2.

https://www.youtube.com/watch?v=w3aJyyvRl50&pp=ygVB0LzQvdC1INCz0YDRg9GB0YLQvdC-INC90LAg0YLQtdCx0Y8g0YHQvNC-0YLRgNC10YLRjCDQtdGB0LXQvdC40L0%3D Мне грустно на тебя смотреть. Музыка Елены Самсоновой, слова Сергея Есенина

https://www.youtube.com/watch?v=wfVNc4I0xjs Мне грустно на тебя смотреть. Музыка Валерия Азаренко, слова Сергея Есенина

https://www.youtube.com/watch?v=mCm7b7THxZg Мне грустно на тебя смотреть. Музыка Игоря Карташева, слова Сергея Есенина.

Историческая справка.

Наши далекие предки не знали поэзии отдельно от музыки. Искусство на первобытной стадии развития представляло собой триединстве музыка — слово — танец. Что же было вначале — поэтическое слово или музыка? Наука дает убедительный ответ на этот вопрос — музыка! Археологи находят в раскопках времен палеолита (50-40 тыс. лет назад) примитивные музыкальные инструменты: кости птиц с пробитыми отверстиями (древние флейты), звучащие камни, бубны и барабаны. Созданные с применением кожи животных. Трудовые выкрики, охотничьи и боевые сигналы были первыми ростками будущей музыки, но как много столетий должно было еще пройти до ее истинного рождения! ‘ Через ритуальные танцы, боевые песне-пляски, игры в охоту и бои шло человечество к своей будущей музыкальной культуре.

Постепенно к напевам присоединялись и слова-заклинания, обрядовые слова-заговоры.

Заговоры и заклинания, по словам исследовательницы Ирины Ивановой из книги «Сила защитного слова или заговоры на все случаи жизни», имеют свой собственный ритм и темп, собственную интонацию. Слова и интонация заговора рассчитаны на то, чтобы каждое слово врезалось в подсознание. Произношение заговора обычно плавное, тягучее, с сильно выделенными гласными звуками – это тоже имеет немаловажное значение, потому что особенности произношения призваны усилить воздействие заговорного слова на наше подсознание.[3]

Кован еси брат,
сам еси оловян,
а сердце твое вощано,
ноги твои камены
от земля до небес,
не укуси мене,
аки пес отай,
оба есмя от земля,
коли усмотрю тя очима,
своего брата,
тогда убоится твое сердце
моих очей усмотрения,
ты вощан.[1]

Развивалось постепенно народно-песенное искусство и эпос во всем многообразии своих жанровых, поэтических и музыкальных модификаций. В песнях-гимнах героям заложены истоки героического эпоса, в стенаниях по усопшим — песни-плачи, в любовных напевах — зачатки будущей лирической поэзии, были песни-славления, обрядовые песни на все случаи жизни дохристианской эпохи, имеющие магическое обереговое значение.

Поэтическое искусство Древней Греции было поистине уникальным явлением. Под аккомпанемент лиры, кифары, авлоса пели древние поэты свои песни, и пение это называлось лирикой, кифаристикой, авлетикой в зависимости от аккомпанирующего инструмента. Песни-стихотворения, исполняемые под музыку, назывались меликой, мелической поэзией. Предание рассказывает о хромоногом поэте Тиртее, создателе античного анапеста, со стихами-песнями которого воины шли в бой. При исполнении анапестических стихов в Элладе исполнители не только аккомпанировали себе на каком-нибудь инструменте, но и приплясывали, отбивая такт ногой на последнем слоге (отсюда — поэтический термин «стопа»). Хоровая культура стала основой знаменитой греческой трагедии — вершины мусических искусств (искусств, которыми правили музы). Из хора выделялся запевала, рассказывающий об общественных событиях, боях и победах. Так рождался эпос.

Огромное значение придавали греки ритму, объединяющему слово, пение, инструментальную музыку и танец. Ритм, по понятиям греков, заключал в себе мужское начало, мелодия — женское. Этот приоритет ритма идет еще от древнейшего праискусства доисторических времен.

Классический период древнегреческого искусства характерен еще одним важным элементом — господством одноголосной мелодики. Она обеспечивала теснейшую связь со стихом, отчетливость произнесения текста. Стихотворный текст рождался прежде музыки или опережал ее сочинение, т. е. стихи диктовали музыкальное воплощение, и метр стиха определял ритм музыки.

Собранные по крохам стихи и сведения о музыке Древней Эллады, а также Древнего Рима показывают, что греки открыли диатонические лады, в основе которых лежал тетрахорд (кварта), ставшие на многие столетия основными для европейской музыки (дорийский, лидийский, фригийский, миксолидийский), знали и применяли энгармонизм и хроматику. Греки же ввели целый ряд музыкальных и поэтических терминов, которые живут по сей день: музыка, мелодия, гамма, ритм, хор, строфа, стих, стопа и множество других.

Музыкально-поэтические жанры античного искусства стали основой будущих поэтических жанров: элегии, дифирамба, оды и др. Греки создали не только свой знаменитый гекзаметр, но и целый ряд стихотворных размеров или стоп, в том числе дактиль, хорей, амфибрахий, анапест. Жанр дифирамба был торжественным гимном в честь бога Дионисия и вообще в честь героев сражений. Элегия — грустнолирическая песня (но иногда и боевая, нравоучительная, философская), исполнявшаяся обычно под жалобный аккомпанемент флейты, — стала популярнейшим поэтическим жанром и дошла до XIX столетия: ей отдали дань и русские поэты Жуковский, Пушкин, Лермонтов, Языков, Некрасов, Фет, а в XX в. — Блок. Сохранили по сей день свое непреходящее значение такие жанры, как эпиграмма, ода, застольная песня, гимн.[8]

Более пятнадцати столетий нашей эры поэзия и музыка развивались параллельно, постоянно вступая в контакт, переплетаясь, сливаясь воедино. «Оба этих элемента (ритм, интонация), присущие поэзии и музыке, проявляются в каждом из искусств своим особым образом, сохраняя при этом черты общности, обусловленные единством истоков — неразделимостью двух начал в древнейшем искусстве — песне» (В. Васина-Гроссман). «Ритмическая организация, — полагает исследователь русской поэзии Г. Поспелов, — возникла в стихах из музыки».

Вокальные сочинения, рождавшиеся на протяжении столетий, можно подразделить на две большие группы по признаку подчиненности. В одной из групп главенствующую роль занимала поэзия, в другой — музыка. В религиозных песнопениях средневековья, как и в античном мелическом искусстве, музыка играла подчиненную роль. В церковных псалмодиях, юбиляциях использовались не произведения поэтического творчества, но молитвы, канонические культовые тексты и поучения. Задача музыки состояла лишь в том, чтобы озвучить текст. Рядом же с культовой музыкой бурно развивалось народное песенное искусство. Круг средневековых песенных жанров — это песни любовные, шуточные, сатирические и антиклерикальные, также пели былины и эдды, исторические песни, рассказы о «делах давно минувших дней». То были, как правило, простейшие куплетные напевы, расцвеченные повторениями, сопоставлениями, вариантами.

Образцом для многих европейских стран стало искусство французских трубадуров (X в.), представлявшее собой характерное выражение светской рыцарской культуры. Однако в искусстве трубадуров, несмотря на яркость, разнообразие мелодики, большую гибкость интонирования, напевность музыка тем не менее еще не стала равноправным партнером в союзе с поэзией, содержание и сюжет песен играли главенствующую роль. Музыка и текст, как правило, создавались одним лицом, ритм напева определялся размером стиха и был ему всецело подчинен. Ритмическая организация стиха определяла и характер напева: бодрый, маршеобразный, грустный, скорбный или торжественный. Пение далеко не всегда сопровождалось игрой на инструментах.

В те далекие времена рыцарское искусство еще не считалось профессиональным. Но могучий поток рыцарского искусства Европы, сливаясь с народным и городским творчеством, создал музыкально-поэтическое направление с разработанным комплексом выразительных средств и четкой музыкальной письменностью, что стало основой будущих ролдансов и песен.[7]

Пришедшее на смену одноголосному пению многоголосие продвинуло далеко вперед историю вокальной музыки — церковной и светской. В эпоху раннего и позднего Возрождения мы наблюдаем активное наступление жанров светской музыки, подкрепленных новыми возможностями развитого многоголосия.

Светские песенные и танцевальные жанры — французские шансоны, итальянские фраттолы, виланеллы, каччии, баллады, испанские вильянсико и романсы, английские кэчи и раунды, немецкие, чешские, польские песни — отражали все многообразие гуманистических идей эпохи. Именно в это время начинается формирование типа, музыканта-профессионала, получающего специальное музыкальное образование в школах и академиях. Бурное развитие инструментальных жанров, создание ансамблей и оркестров и, наконец, рождение оперы (Флоренция, XVI в.)[6] дает толчок развитию новых вокальных жанров; оратории, кантаты, сольной песни.

Италия — родина прекрасного и нежного вокального жанра, не потерявшего своей свежести и привлекательности до наших дней, — мадригала, состоящего из коротких куплетов (2—3 строки) с припевом — ритурнелем. Если мотет мы назвали романсом средневековья, то мадригал — подлинный хозяин и глава камерно-вокальных жанров эпохи Возрождения. Это уже новая и гораздо более высокая ступень развития камерно-вокальной музыки, отличающейся многоголосием, и по своему значению и сложности она приближается к поэтическому тексту, а в чем-то и превосходит его. «Сладостная выразительность» мадригалов Ландино, возвышенная лирика Габриелли, Джезуальдо ди Веноза подняли жанр мадригала на высоту большого искусства. В этом гибком и подвижном жанре музыка уже далеко не служанка, а скорее, госпожа, она сложна и самостоятельна.

В XV—XVI вв. вокальная музыка движется по пути все большего усложнения. Подлинными соавторами композиторов были поэты Возрождения: Петрарка (1304—1374) в Италии [5] и поэты «Плеяды» во Франции во главе с Пьером Ронсаром [4]. Заметим попутно, что творчество этих поэтов пестрит музыкальными терминами-названиями, определяющими жанровую характеристику их стихотворений: канцоны, баллады, мадригалы, рондо. Пожалуй, именно тогда, в эпоху раннего Возрождения, и начался постепенный процесс отделения поэзии от музыки. Появление на рубеже XVI—XVII вв. новых жанров — оперы, симфонии, оратории, кантаты — и стиховых систем нового времени еще более отдалило поэзию от музыки, разделило на два самостоятельных вида искусства, но не уничтожило их родовых признаков и взаимного тяготения друг к другу.

Синтез поэзии и музыки — процесс живой, изменчивый, на этом длительном пути появлялись многочисленные формы взаимодействия этих двух искусств Друг с другом: синкретическое искусство античности, двуединство «поэт—композитор» в эпоху средневековья, сочинение вокальной музыки на тексты авторской поэзии в эпоху Возрождения и развивающееся по своим законам мощное народно-песенное искусство.[2]

Список литературы

Как слово стало песней? Статья о музыке. Автор Елена Самсонова. Музыкальный руководитель ДОУ

Оставьте комментарий Отменить ответ

Контакты

Адрес